La luz es la composición

El artista Nard Kwast explora cómo la luz, la sombra y el color dan forma a un cuadro. Descubre su enfoque y sus consejos prácticos para crear composiciones más impactantes, aprendiendo a fijarte menos en los detalles y más en el conjunto.

Piensa menos, mira más

Antes me interesaba sobre todo dibujar cómics y caricaturas. Cuando empecé a pintar, seguí mirando y pensando como un dibujante.

Más tarde, me di cuenta de que no solo pintas lo que crees que hay, sino, sobre todo, lo que realmente ves. Por ejemplo: una manzana contra una pared. Si miras a través de las pestañas, la sombra de esa manzana podría fundirse casi por completo con el fondo.

Cuando eres principiante, tiendes a dibujar una manzana tal y como crees que se ve. Pero cuando aprendes de verdad a fijarte en las luces y las sombras, descubres algo más: a veces, la luz solo hace visible una pequeña parte de la forma. Para mí, ese fue un descubrimiento importante: piensa menos, fíjate mejor.

La luz y la sombra lo determinan todo

La luz no es algo que se añada al final. Desde el principio, junto con la sombra, determina cómo quedará tu dibujo.

Desde el principio, puedes preguntarte: ¿de dónde vine mi luz? ¿Dónde caen las sombras y dónde están las transiciones que definen la forma? Un foco, la luz del día, el sol o un cielo nublado: la misma pose puede quedar completamente diferente según el caso. Incluso una luz intrigante que viene desde abajo crea una atmósfera totalmente diferente.

Una vez vi un precioso cuadro de una mujer tumbada sobre una alfombra persa. Un haz de luz solar muy marcado caía en diagonal sobre su cuerpo y parte de la alfombra. La luz era tan intensa que casi pasabas por alto a la mujer. De hecho, ese haz de luz era la composición. Solo descubrías a la modelo cuando te fijabas más de cerca. Eso me enseñó lo expresiva que puede ser la luz.

Porque sin oscuridad, la luz no existe en un cuadro. Utilízalos tanto como quieras, pero solo empieza a brillar gracias a su contrapartida. Al igual que los colores cálidos y fríos se necesitan entre sí, lo mismo ocurre con la luz y la oscuridad.

¿Usar el negro o no?

Una de las cosas que aprendí hace tiempo es que, en realidad, no deberías usar el negro.

Pero después de años estudiando a los grandes maestros —como Rembrandt y otros pintores del siglo XVII—, he cambiado de opinión al respecto. De hecho, simplemente he vuelto a usar el negro. Echa un vistazo a *La lección de anatomía* del Mauritshuis; si no ves nada de negro ahí, no sé qué decirte. Claro que eso no significa que el negro haga automáticamente que un cuadro sea bonito. Todo depende de cómo lo utilices.

Y luego también está lo del blanco, porque la verdad es que nunca lo uso así, en su forma pura. Al fin y al cabo, la luz siempre tiene un color en la naturaleza. Un objeto blanco al aire libre se ve influido por el sol, el cielo azul y los colores de su entorno.

Piensa en la nieve, por ejemplo. A la sombra, la nieve puede adquirir un precioso tono azul o violeta. Por el contrario, un toque de color en el blanco hace que la nieve iluminada por el sol destaque sobre la sombra fresca. Esa interacción entre lo cálido y lo frío hace que la escena sea un placer para la vista.

En la naturaleza, los colores complementarios suelen aparecer sutilmente uno al lado del otro: azul y anaranjado, amarillo y púrpura, rojo y verde. Los impresionistas sabían cómo resaltar este efecto. Piensa en las amapolas sobre la hierba verde de Monet o en el café de Van Gogh. Es un festín para la vista. Si eres consciente de esto, también puedes aplicarlo a tu manera.

Obra «Conchas» de Nard Kwast.

Nard sobre la obra:

En esta obra juego con la luz y la oscuridad reales. En la concha del centro, creo la luz más brillante y el mayor contraste. Al mismo tiempo, el contraste de colores complementarios también se incorpora allí de forma muy sutil: luz azul y anaranjada. Sin ese azul (Cobra King's Blue mezclado con blanco), todo el cuadro no funcionaría.

Profundidad y carácter en las sombras

Intenta dar a las sombras una sensación de profundidad y vitalidad sin cubrirlas por completo con pintura. Cuando camino por mi casa a oscuras, sigo percibiendo una especie de profundidad aunque casi no vea nada. Al fin y al cabo, no es una extensión negra y sólida lo que tengo ante los ojos, y sin embargo sigo sin ver nada.

Para mí, Rembrandt es un ejemplo brillante de esto. Algunas de sus obras son oscuras, pero hay vida en las sombras. Dentro de esa oscuridad hay una enorme cantidad de matices. Por eso, la oscuridad no está vacía, sino que sigue siendo una parte esencial del cuadro.

También puedes conseguir esa sensación de vitalidad de otras formas. Tonos cálidos y fríos, saturados y apagados, nítidos y suaves: todos ellos pueden dar vida a un cuadro. Piensa, por ejemplo, en las sombras de los famosos «Pajaros» de Monet. Allí no hay negro, solo color.

Puedes guiar la mirada del espectador

Creo que ese es quizás uno de los descubrimientos más divertidos. Utilízalos: la luz, la oscuridad y los colores para guiar al espectador.

Una vez vi unos retratos preciosos en los que casi todas las sombras estaban pintadas de forma muy suave. La sombra debajo de la nariz, alrededor de la boca, en el pelo y en la ropa: en ningún sitio los contrastes eran excesivamente marcados. Pero las pupilas eran de un negro intenso y nítidas.

Y funcionaba de maravilla. Como seres humanos, miramos de forma natural a una cara y, sobre todo, a los ojos. Utilizando ahí también el contraste más marcado, la mirada del espectador se veía atraída aún más hacia ese punto.

También puedes hacer un mal uso del mismo principio. Imagina que pintas una joya junto a esos ojos que sea igual de nítida, oscura y detallada. Esto casi crea una especie de cortocircuito visual. Quieres fijarte en los ojos, pero al mismo tiempo la joya te llama la atención. Lo mismo puede pasar con un objeto de colores vivos en el fondo.

Obra «Naturaleza muerta con patines de hielo», de Nard Kwast.

Nard sobre la obra:

«En general, es un poco más apagada, pero son precisamente esos toques de color de la bufanda los que crean una especie de “atracción”, dirigiendo tu atención de forma natural hacia ese punto. Así que puedes ver que intento añadir color de forma muy sutil, en lugar de exagerar».

Consejos útiles

Prueba tu composición con los ojos entrecerrados

Entrecierra los ojos y mira a través de las pestañas. ¿Hacia dónde se dirige tu atención primero? Intenta ver el menor número posible de detalles, de modo que solo queden las grandes zonas claras y oscuras. ¿Dónde está el mayor contraste? ¿Qué formas casi desaparecen en el fondo? ¿Dónde están los reflejos más brillantes y las sombras más oscuras? De repente, esto hace que la imagen resulte mucho más sencilla y clara.

Haz pequeños estudios de color de antemano

Intenta crear diferentes variaciones utilizando colores complementarios de la rueda de colores. Por ejemplo, pinta un pequeño retrato, un bodegón o un paisaje, pero omite todos los detalles. En el caso de un rostro, no hace falta que pintes los ojos, la boca u otros detalles. Como mucho, puedes insinuar las cuencas de los ojos y una pequeña sombra debajo de la nariz. Lo importante es la distribución general de la luz, la oscuridad y el color.

A menudo descubrirás rápidamente qué combinación funciona mejor y cuál encuentras más atractiva. Incluso con solo unos pocos estudios pequeños, te harás una idea de la atmósfera y los efectos de color del cuadro final.

Estudios como estos me han enseñado que a veces es mejor explorar primero cómo se relacionan entre sí la luz, la sombra y el color, antes de perderte en los detalles. He aprendido que los detalles no salvarán tu obra si algo en los fundamentos no está del todo bien.

Quizá esa sea, en definitiva, una de las cosas más importantes que he aprendido a lo largo de los años sobre la creación de composiciones: mira primero el cuadro en su conjunto y solo después los detalles. La luz y la oscuridad determinan en gran medida lo que ves al final y dónde se posa tu mirada.

Y precisamente por eso, para mí, la luz ya no es algo que simplemente añadas a un cuadro. La luz y la oscuridad son la composición.

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Coge un lápiz o un poco de pintura hoy mismo y crea tu propio pequeño estudio de color sin ningún detalle. Comparte tu resultado y cuéntanos: ¿qué has descubierto sobre la luz y la oscuridad en tu obra?

Sobre el autor

Este blog lo ha escrito Nard Kwast. Nard Kwast (1973) nació y se crió en el norte de los Países Bajos. Vive y trabaja tanto en los Países Bajos como en Bélgica. Su talento para el dibujo se desarrolló desde muy joven y, ya de adolescente, descubrió su fascinación por los grandes maestros del siglo XVII. Su decisión de tomar clases particulares y sumergirse en las técnicas clásicas de la pintura al óleo surge de una profunda pasión por estos métodos y materiales tradicionales.

A lo largo de las últimas décadas, Nard ha desarrollado un estilo propio que hace clara referencia a los pintores del siglo XVII. Sigue explorando y perfeccionando este estilo y le encanta compartir sus conocimientos a través de clases magistrales.

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