La composición es la luz

L'artiste Nard Kwast explore la manière dont la lumière, l'ombre et la couleur façonnent un tableau. Découvrez son approche ainsi que des conseils pratiques pour créer des compositions plus percutantes, en apprenant à vous concentrer moins sur les détails et davantage sur l'ensemble.

Pensez moins, observez davantage

Au départ, je m’intéressais principalement au dessin de bandes dessinées et de caricatures. Lorsque j’ai commencé à peindre, j’ai continué à observer et à réfléchir comme un dessinateur.

Plus tard, j’ai pris conscience qu’on ne peint pas seulement ce que vous croyez voir, mais surtout ce que vous voyez réellement. Par exemple : une pomme posée contre un mur. Si vous regardez à travers vos cils, l’ombre de cette pomme risque de se fondre presque entièrement dans l’arrière-plan.

En tant que débutant, vous avez tendance à dessiner rapidement une pomme telle qu’on imagine qu’elle est. Mais lorsqu’on apprend vraiment à observer les jeux d’ombre et de lumière, on découvre autre chose : parfois, seule une petite partie de la forme est rendue visible par la lumière. Pour moi, cela a été une découverte importante : pensez moins, observez plus attentivement.

La lumière et l’ombre déterminent tout

La lumière n’est pas un élément que l’on ajoute à la toute fin. Dès le début, avec l’ombre, elle détermine le résultat final de votre dessin.

Dès le départ, vous pouvez vous demander : d’où vient ma lumière ? Où tombent les ombres et où se situent les transitions qui définissent la forme ? Un projecteur, la lumière du jour, le soleil ou un ciel nuageux : une même pose peut ainsi prendre un aspect complètement différent. Même une lumière intrigante venant d’en bas crée une atmosphère totalement différente.

J’ai vu un jour un magnifique tableau représentant une femme allongée sur un tapis persan. Un faisceau de soleil très net traversait en diagonale son corps et une partie du tapis. La lumière était si intense qu’on aurait presque pu la manquer. En réalité, ce faisceau de lumière constituait la composition. On ne découvrait le modèle qu’en y regardant de plus près. Cela m’a appris à quel point la lumière peut être expressive.

Car sans l’obscurité, la lumière n’existe pas dans un tableau. Peu importe la quantité de blanc que vous utilisez, celui-ci ne commence à briller que grâce à son contraire. Tout comme les couleurs chaudes et froides ont besoin les unes des autres, il en va de même pour la lumière et l’obscurité.

Faut-il utiliser le noir ou non ?

L’une des choses que j’ai apprises par le passé, c’est qu’il ne faut pas vraiment utiliser le noir.

Mais après avoir passé des années à étudier les grands maîtres – notamment Rembrandt et d’autres peintres du XVIIe siècle –, j’en suis venu à voir les choses différemment. En fait, j’ai tout simplement recommencé à utiliser le noir. Il suffit de jeter un œil à *La Leçon d’anatomie* au Mauritshuis ; si vous n’y voyez pas la moindre trace de noir, je ne sais vraiment pas quoi dire. Bien sûr, cela ne signifie pas que le noir rende automatiquement un tableau magnifique. Tout dépend de la manière dont on l’utilise

Et puis, il y a aussi quelque chose à dire sur le blanc, car en réalité, je ne l’utilise jamais sous sa forme pure, telle quelle. Après tout, la lumière a toujours une couleur dans la nature. Un objet blanc à l’extérieur est influencé par le soleil, le ciel bleu et les couleurs de son environnement.

Prenez la neige, par exemple. À l’ombre, la neige peut prendre une belle teinte bleue ou violette. À l’inverse, une touche de couleur dans le blanc fait ressortir la neige ensoleillée sur l’ombre froide. Ce jeu entre le chaud et le froid rend la scène agréable à regarder.

Dans la nature, les couleurs complémentaires se côtoient souvent subtilement : le bleu et l’orange, le jaune et le pourpre, le rouge et le vert. Les impressionnistes savaient mettre cet effet en valeur. Pensez aux coquelicots dans l’herbe verte de Monet ou au café de Van Gogh. C’est un régal pour les yeux. Si vous en êtes conscient, vous pouvez vous aussi l’appliquer à votre manière.

Œuvre «Shells» de Nard Kwast.

Nard à propos de l’œuvre :

Dans cette œuvre, je joue avec la lumière et l’obscurité réelles. Sur le coquillage du milieu, je crée la lumière la plus vive et le contraste le plus marqué. En même temps, le contraste des couleurs complémentaires y est également intégré de manière très subtile : la lumière bleue et orange. Sans ce bleu (Cobra King’s Blue mélangé à du blanc), l’ensemble du tableau ne fonctionnerait pas.

Profondeur et caractère dans les ombres

Essayez de donner aux ombres une impression de profondeur et de vivacité en ne les recouvrant pas entièrement de peinture. Lorsque je me déplace dans ma maison dans l’obscurité, je perçois toujours une sorte de profondeur même si je ne vois presque rien. Après tout, ce n’est pas une étendue noire et uniforme qui s’étend devant mes yeux, et pourtant je ne vois toujours rien.

Pour moi, Rembrandt en est un brillant exemple. Certaines de ses œuvres sont sombres, et pourtant, il y a de la vie dans les ombres. Au cœur de cette obscurité se cache une immense richesse de nuances. De ce fait, l’obscurité n’est pas vide, mais reste partie intégrante du tableau.

Vous pouvez également obtenir cette impression de vitalité par d’autres moyens. Chaud et froid, saturé et atténué, net et doux : tous ces éléments peuvent donner vie à un tableau. Pensez simplement aux ombres dans les célèbres meules de foin de Monet. Il n’y a pas de noir là-dedans, seulement de la couleur.

Vous pouvez guider le regard du spectateur

Je pense que c’est peut-être l’une des découvertes les plus agréables. Vous pouvez également utiliser la lumière, l’obscurité et les couleurs pour guider votre spectateur.

J’ai vu un jour de magnifiques portraits dans lesquels presque toutes les ombres étaient peintes de manière très douce. L’ombre sous le nez, autour de la bouche, dans les cheveux et sur les vêtements : nulle part les contrastes n’étaient excessivement marqués. Mais les pupilles étaient d’un Noir profond et bien définies.

Et cela fonctionnait à merveille. En tant qu’êtres humains, nous regardons naturellement un visage et, surtout, les yeux. En utilisant là aussi le contraste le plus marqué, le regard du spectateur était attiré encore plus fortement vers cet endroit.

Vous pouvez également détourner ce même principe. Imaginons que vous peigniez, à côté de ces yeux, un bijou tout aussi net, sombre et détaillé. Cela crée presque une sorte de court-circuit visuel. Vous voulez regarder les yeux, mais en même temps, le bijou attire votre attention. Le même phénomène peut se produire avec un objet aux couleurs vives à l’arrière-plan.

Œuvre «Nature morte aux patins à glace» de Nard Kwast.

Nard à propos de l’œuvre :

« Dans l’ensemble, c’est un peu plus sobre, mais ce sont précisément ces touches de couleur provenant de l’écharpe qui créent une sorte d’« attrait », attirant naturellement votre attention sur cet endroit. Vous voyez donc que j’essaie d’ajouter de la couleur de manière très subtile, plutôt que d’en faire trop. »

Conseils utiles

Testez votre composition en plissant légèrement les yeux

Plissez légèrement les yeux et regardez à travers vos cils. Où se porte votre attention en premier lieu ? Essayez de ne percevoir que le moins de détails possible, de sorte que seules les grandes zones claires et sombres subsistent. Où se trouve le contraste le plus marqué ? Quelles formes se fondent presque dans l’arrière-plan ? Où se trouvent les reflets les plus clairs et les ombres les plus sombres ? Cela rend soudainement l’image beaucoup plus simple et plus claire.

Réalisez au préalable de petites études de couleurs

Essayez de créer différentes variations en utilisant des couleurs complémentaires issues du cercle chromatique. Par exemple, peignez un petit portrait, une nature morte ou un paysage, mais omettez tous les détails. Pour un visage, vous n’avez pas besoin de peindre les yeux, la bouche ou d’autres détails. Tout au plus, vous pouvez suggérer les orbites et une petite ombre sous le nez. L’essentiel réside dans la répartition générale de la lumière, de l’obscurité et de la couleur.

Vous découvrirez souvent rapidement quelle combinaison fonctionne le mieux et laquelle vous plaît le plus. Même avec seulement quelques petites études, vous aurez une idée de l’atmosphère et des effets de couleur du tableau final.

Des études comme celles-ci m’ont appris qu’il vaut parfois mieux explorer d’abord les relations entre la lumière, l’ombre et la couleur, avant de se perdre dans les détails. J’ai appris que les détails ne sauveront pas votre œuvre si quelque chose dans les fondamentaux n’est pas tout à fait juste.

C’est peut-être là, en fin de compte, l’une des choses les plus importantes que j’ai apprises au fil des ans sur la création de compositions : observez d’abord l’ensemble, puis seulement les détails. La lumière et l’ombre déterminent en grande partie ce que vous voyez au final et où se pose votre regard.

Et c’est précisément pour cette raison que, pour moi, la lumière n’est plus simplement un élément que l’on ajoute à une peinture. La lumière et l’ombre constituent la composition.

Lancez-vous

Prenez un crayon ou de la peinture dès aujourd’hui et créez votre propre petite étude de couleurs sans aucun détail. Partagez votre résultat et dites-nous : qu’avez-vous découvert sur la lumière et l’ombre dans votre travail ?

À propos de l’auteur

Cet article a été rédigé par Nard Kwast. Nard Kwast (1973) est né et a grandi dans le nord des Pays-Bas. Il vit et travaille à la fois aux Pays-Bas et en Belgique. Son talent pour le dessin s’est révélé dès son plus jeune âge et, adolescent, il s’est découvert une fascination pour les maîtres du XVIIe siècle. Sa décision de suivre des cours particuliers et de se plonger dans les techniques classiques de la peinture à l’huile découle d’une profonde passion pour ces méthodes et ces matériaux traditionnels.

Au cours des dernières décennies, Nard a développé un style distinctif qui fait clairement référence aux peintres du XVIIe siècle. Il continue d’explorer et d’affiner ce style et aime partager ses connaissances à travers des masterclasses.

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